par SUN Chengan (*)
La carrière menée avec dynamisme depuis quelque quarante ans entre création personnelle et patrimoine culturel ou social, n’a nullement empêché Alain Cardenas-Castro d’aller au fil de ses idées, de ses obsessions polychromes et graphiques. Quelques jalons dans un parcours en entrelacs.
关于阿纳托尔·里克玻璃大师创作的多样性
par Christophe Comentale et Alain Cardenas-Castro
阿纳托尔·里克 （Anatole Riecke） 是一位玻璃大师，他在 30 年代为位于蒙帕纳斯区的著名巴黎小酒馆 La Coupole 制作了大量作品，从而（重新）发现了他的作品，这表明品味的波动是多么难以控制 – 幸运的是 – 难以控制。
La (re)découverte de la création d’Anatole Riecke maître verrier qui s’est notamment illustré en exécutant dans les années 30 un important nombre de pièces pour la brasserie parisienne de La Coupole, établissement sis dans le quartier Montparnasse, montre combien les fluctuations du goût sont heureusement – peu maîtrisables. Cette redécouverte progressive permet de voir dans ce domaine si complexe, une autre forme artistique qui vient en symétrie esthétique à la forte présence des pâtes de verre dues aux ateliers Gallé et à ses contemporains
Dans une précédente livraison (ANATOLE RIECKE, redécouverte de l’œuvre d’un paysagiste verrier), nous avons abordé un pan particulier de l’œuvre d’Anatole Riecke, un ensemble d’œuvres qui oscille entre des pièces d’apparat aux dimensions imposantes dans le contexte d’un lieu de réception et des réalisations plus quotidiennes puisque l’ensemble de pièces parvenues jusqu’à nous est révélateur d’une époque particulière. Comme l’explique Bernard Sanchez, amateur et marchand avisé de verrerie de création, « j’ai pu découvrir des pièces en grand nombre, comme oubliées des amateurs. Je constate que cette désaffection est maintenant un mauvais souvenir ». Imposantes ou complémentaires à un mobilier circonstancié, ces pièces souvent d’influences conjuguées conjuguent le fait de mettre en valeur les jeux des transparences que ce matériau permet entre les jeux d’une monochromie savante et des tonalités nées des halos polychromes qui parsèment certaines œuvres.
Ci-dessus. (ill. 1 et 2) Vase bleu à section carré, coins arrondis. H. 11,5 cm / larg. max. 12 cm / larg. base 10 cm. Signé et daté sur la face, gravée [A. Riecke, 24. 7. 59]
伊冯·雷尼尔（YVONNE RÉGNIER），回归神灵居住的自然. 精致而无声神秘的世界的重生
par Christophe Comentale, coordination éditoriale Alain Cardenas-Castro
Les alternances entre une approche figurative ou abstraite de l’art ne cessent d’éclairer d’un jour nouveau l’œuvre d’artistes disparus et redécouverts lors d’une réapparition de leur création sur le marché. Les œuvres sont alors livrées aux regards multiples, entre l’indifférence et un intérêt exacerbé… Ainsi en va-t-il des quelque deux mille dessins laissés par Yvonne Bilis Régnier (1926-2017) et sa compagne Dominique Dalozo, disparue en 1997. Un reflet entre les œuvres maniéristes peuplées de créatures divines ou les dessins raffinés d’Hercules Seghers (ca 1590, Harleem – 1638, Amsterdam) et de Georges Rubel (1945, Paris). Sans oublier pour autant des êtres inquiétants nés de profondeurs et abysses proches de Johann Heinrich Füssli (1741-1825) ou de postsurréalistes.
具象和抽象方法之间的交替从未停止为艺术家的作品提供新的视角，当他们的作品被投放市场时，这些艺术家已经消失并被重新发现，从而被多种凝视所取代，在冷漠和加剧的兴趣之间……Yvonne B. Régnier 和她的伴侣留下的 2000 多幅画就是这种情况，他们在 2000 年左右失踪了。由神圣生物构成的矫饰主义作品或梦幻而复杂的荷兰艺术家赫拉克勒斯·西格斯 （Hercules Seghers） 和法国艺术家乔治·鲁贝尔 （Georges Rubel） 的精致绘画之间的映衬，他的版画让人想起象征主义和近乎超现实主义作品的密度。
Ci-dessus, de gauche à droite. Yvonne B. Régnier, Paysage (1991), technique mixte, 22,5 x 37,5 cm, œuvre datée au coin infr gauche du verso, coll. privée ; Yvonne B. Régnier, Divinité face à l’arbre (1988), 27,5 x 38 cm, monogrammé YBR au coin inférieur droit, coll. privée.
Clémencia Salmón, Qalachaki – A Pata Pelada, Lima : Editions GraciAngulo – Laboratorio editorial, 2024, illustrations d’Alain Cardenas-Castro et de Josué Sánchez. 190 p. S/ 69.
Clémencia Salmón présentera son ouvrage à la librairie El Virrey, Miraflores, Lima, Pérou, le 2 octobre à 19h. Elle sera accompagnée de la psychanaliste Matilde Ureta, de l’éditrice Gracia Angulo et de l’artiste Alain Cardenas-Castro.
de la période Art déco
Les prémices d’un rapprochement de l’art et du verre se situent aux alentours de 1850, il faut cependant attendre la fin des années 1960 pour que les œuvres en verre Art nouveau et Art déco aient la faveur d’un public désireux d’autres formes, d’une autre approche à la lumière et à la polychromie. Certains verriers comme Anatole Riecke (ca 1900-1976) font l’objet d’une redécouverte intense depuis deux décennies après une période d’oubli total. Survol sur l’œuvre d’un verrier amateur de paysages terrestres et lunaires.
par Christophe Comentale et Alain Cardenas-Castro
Continuer la lecture郑[鄭]谷《海棠》
par Hu Jiaxing et Christophe Comentale
Une gravure sur bois en couleurs découverte incidemment sur un marché parisien de l’ancien est l’occasion de rappeler la présence séculaire de l’art de la gravure sur bois en noir et en couleurs en Chine et ses développements importants dès les Song (10e-12e s.), tandis que ce mode de diffusion des connaissances et d’une esthétique du raffinement se généralise sous les dynasties des Ming et des Qing. Cette présentation sommaire a pour premier but de montrer l’attrait et la complétude d’une œuvre dissociée d’un corpus comme cela apparaît au fil de recueils didactiques comme le Studio des Dix bambous ou Le jardin du grain de moutarde pour ne rappeler que deux titres désormais connus en Occident pour ces recueils didactiques.
Qu Qianmei, Ors et excentricités minérales. L’œuvre peint, 2009 – 2024.
Paris : Ed. Naima, 2024. 259 p. : env. 200 ill. Bibliog.
29 €
该书的书目描述性说明，由位于巴黎的Naima奈马出版社社出版
Les textes de douze auteurs occidentaux et chinois accompagnent les œuvres de deux décennies d’un travail intense, acharné, déroutant de cette artiste singulière. Qu Qianmei (1956, Rui’an, province du Zhejiang), passe de la peinture à l’encre sur papier traditionnel à une technique complexe née du plaisir de l’observation du travail, celui de la patine, des matières et du passage des couches de laque au ponçage menant à des nuances parfois uniques. Sans oublier les ressources sombres du bois brûlé ou le broyage des coquilles d’huitres devenues un ton nacré. Des ingrédients magiques de sa polychromie en épaisseur rendues uniques par la présence de la poudre de kaolin, du cinabre du Hunan ou du bois rouge
Calligraphie et peinture au lavis à l’École Normale de Rui’an puis peinture à l’huile et tempera à l’institut central des Beaux-arts de Pékin deviennent une typologie de peinture murale unique. Un jalon : 1986, Paris, adoption d’autres règles de survie et de vie la rapprochant alors d’artistes chinois comme Wang Yancheng qui l’initie au monde abyssal de l’art abstrait. « Je me suis sentie – dit-elle en août 2022 lors d’un entretien en son atelier parisien – des affinités avec ceux qui, comme moi, ont éprouvé ce besoin d’une communion et d’une même intensité conceptuelle. Jalon autre, l’exposition Tapiès à Paris en 2012, un véritable déclencheur ». La période récente des noirs libère des monochromes, des lithographies et sérigraphies limitées à 20 exemplaires, réalisées sur les presses de Yachang à Shanghai sur des papiers japonais résistant à des matières denses autant que fluides. Souvenir des tons pratiqués chez les peintres dits excentriques chinois, à l’égal des outrenoirs de Soulages « qui s’est aventuré dans une intensité et une abstraction autres ».
Les alternances entre les noirs, les polychromies épaisses et les ors renvoient à celles de la peinture siennoise dont les fonds revêtus de feuille d’or disaient combien l’artiste traduit la perfection divine dont il est une parcelle signifiante (ChC).
十二位西方和中国作家的文字伴随着这位独特艺术家二十年来激烈、无情、令人不安的作品。瞿倩梅（1956年生于浙江省瑞安市）从传统纸上的水墨画转向一种一种复杂而又有点秘密的技术，源于观察作品的乐趣，即铜绿、材料和漆层的过渡，再到打磨，有时会产生独特的色调。更不用说烧焦的木头的黑暗资源或已成为珍珠色调的牡蛎壳的压碎。其厚度多色的神奇成分因高岭土粉、湖南朱砂或红木的存在而独一无二 .
瑞安师范学校的书法和水墨画以及北京中央美术学院的油画和蛋彩画成为壁画的独特类型。1986 年是一个重要的日子，在巴黎，瞿倩梅习惯了其他生活规则，然后她与王燕城等中国艺术家走得更近，王衍成将她带入了抽象艺术的深渊世界。2022 年 8 月，在她的巴黎工作室接受采访时，她说：“我与那些像我一样感受到需要共融和相同概念强度的人有一种亲和力。另一个重要的日期是 2012 年在巴黎举办的 Tapiès (塔皮埃) 展览。这是一个真正的启示。其创建的最新时期 .
展示限量 20 份的单色黑色、石版画和丝网印刷品，这些印刷品由上海的亚昌印刷机在耐致密和流体材料的日本纸上制作。对所谓古怪的中国画家所采用的色调的记忆，与苏拉吉的 “冒险进入不同的强度和抽象 ”的外人相提并论。黑色、厚重的多色和金色之间的交替让人想起锡耶纳绘画，其背景上覆盖着金箔，显示了艺术家在多大程度上诠释了他作为重要组成部分的神圣完美 .
par Alain Cardenas-Castro et Christophe Comentale
Le rapport entre art et sciences se traduit parfois avec la comparaison d’objets produits par l’Homme. Nous avons choisi huit pièces chinoises et péruviennes d’un matériel archéologique intégré dans des collections patrimoniales. Ces artefacts issus d’époques et de lieux différents permettent d’analyser la fonction de ces objets, leur fabrication, les techniques et les matériaux mis en œuvre ainsi que les motifs de leur décor : des caractéristiques qui reflètent des comportements symboliques communs.
En premier lieu, trois planches (pl.1, 2, 3) concrétisent et accompagnent l’analyse comparative. La planche 1 regroupe les huit objets selon quatre binômes mettant en vis à vis les pièces chinoises et péruviennes. Ensuite, la planche 2 comprend deux cartes de localisation des sites archéologiques d’où proviennent les pièces choisies. Les deux cartes indiquent la situation des différentes cultures auxquelles ces pièces appartiennent en Chine et au Pérou. Enfin, la planche 3 met en contact visuel les pièces archéologiques en les reliant à leurs sites d’origine.
PLANCHE 1. TABLEAU COMPARATIF.
CORPUS DES PIECES ARCHEOLOGIQUES
par Christophe Comentale
Les découvertes d’œuvres réalisées par les peintres actifs durant la première moitié du 20e siècle ne cessent de se multiplier au fil des disparitions qui génèrent des successions parfois importantes et se terminent, pour beaucoup, par des mises à disposition d’œuvres sur le marché de l’art, les familles étant le plus souvent démunies face à la présence forte et complexe des œuvres. Ainsi en va-t-il de cette étude réalisée pour une composition de dimensions plus importantes.
par Christophe Comentale
Truong Dinh Hao (Hanoï, 1937-2022), diplômé de l’Université des Beaux-Arts du Vietnam, Hao s’intéresse très tôt au dessin et développe une activité de peintre. Il rejoint en 1982 l’Association des Beaux-Arts.
Truong Dinh Hao entretient un lien très constant, assez naturel avec le thème et l’environnement rural. Au fil des ans, l’inspiration de l’artiste pour la campagne est toujours forte et directe. Cet environnement naturel est à portée de pinceau et reste ainsi une source d’inspiration aux multiples variantes pour son travail.
