Il est vrai que depuis sept d\u00e9cennies la France et parfois l\u2019Am\u00e9rique latine, entre autres places de ce monde globalis\u00e9, se sont engag\u00e9es sur des chemins menant vers une issue lib\u00e9ratrice d\u2019expression d\u00e9livrant un message uniforme et vertueux. En France, le domaine culturel \u00e0 suivi cette orientation en s\u2019ing\u00e9niant \u00e0 codifier et \u00e0 r\u00e9glementer les voies \u00e0 suivre pour accompagner le monde de l’art contemporain. Ainsi nombre de cr\u00e9ateurs s’engagent pour \u00e9pouser les causes que l’on ne peut qualifier autrement que de respectables.<\/p>\n\n\n\n Ci-dessus, de gauche \u00e0 droite. (ill. 1 et 2) La galerie Artivistas vue de l’ext\u00e9rieur et une vue de l’int\u00e9rieur sur l’accrochage de l’exposition.<\/p>\n\n\n\n Despertar : le nouveau discours de l’art contemporain p\u00e9ruvien<\/em><\/strong>, [Despertar. Le mot conserve toute sa puissance, toute son ampleur, les d\u00e9finitions sont toutes d\u2019accord sur le sens de \u00ab\u00a0R\u00e9veil : retour \u00e0 l’activit\u00e9, reprise de l’activit\u00e9, de la vigueur d\u2019un sujet qui paraissait en sommeil<\/em>\u00ab\u00a0].<\/p>\n\n\n\n La nouvelle exposition de la galerie Artivistas (ill. 2), c\u00e9l\u00e8bre le dialogue continu entre tradition et innovation, en pr\u00e9sentant des \u0153uvres d’artistes p\u00e9ruviens contemporains qui allient \u00e0 leur h\u00e9ritage culturel des expressions artistiques modernes. L’exposition pr\u00e9sente diff\u00e9rentes formes artistiques : de la peinture \u00e0 la sculpture en passant par la gravure et la photographie. La manifestation r\u00e9v\u00e8le comment ces artistes abordent des probl\u00e9matiques mondiales urgentes, comme la justice sociale, les fondements de l’identit\u00e9 et les \u00e9volutions technologiques, tout en s’appuyant sur des choix de couleurs, une iconographie, des textures et des techniques enracin\u00e9es dans la riche histoire artistique du P\u00e9rou.<\/p>\n\n\n\n Ci-dessus, de gauche \u00e0 droite. (ill. 3 et 4) Julio Cesar Rodriguez, commissaire de l\u2019exposition lors du vernissage de l\u2019exposition Despertar<\/em>.<\/p>\n\n\n\n Quelques \u0153uvres accroch\u00e9s sur les anciens meubles de l\u2019ancienne pharmacie transform\u00e9s en cimaises.<\/p>\n\n\n\n La s\u00e9lection des artistes pour cet accrochage de printemps a \u00e9t\u00e9 r\u00e9alis\u00e9e par Julio Cesar Rodriguez, jeune historien de l’art et commissaire d’exposition dynamique se partageant ente Lima et New-York (ill. 3). Les artistes sont tous de genres et de g\u00e9n\u00e9rations, diff\u00e9rents utilisant des techniques allant de la peinture \u00e0 la sculpture en passant par le dessin, le collage et la gravure (ill. 4). Je retranscris plus loin la liste des artistes mise \u00e0 disposition du public par la galerie. Mon coup de c\u0153ur va \u00e0 Valeria Gatti qui propose des collages et un travail m\u00ealant le dessin, l’art textile et la gravure. Quelques \u0153uvres expos\u00e9es rappellent le courant de l’art cin\u00e9tique d’un Soto ou du constructivisme des artistes Pevsner ou Rodtchenko (ill. 5 et 6).<\/p>\n\n\n\n Ci-dessus, de gauche \u00e0 droite. (ill. 5 et 6) Valeria Gatti. Tokapu<\/em> (2023), acrylique et fil sur toile, 90 x 60 cm ; Rastros<\/em> (2024), Impression sur bois et fil sur papier coton, 40 x 40 cm<\/p>\n\n\n\n Le mot d\u2019ordre suivi par les galeristes met l\u2019accent sur une originalit\u00e9 forte : Du muralisme militant et de l’art de l’affiche au bouillonnement cr\u00e9atif d’aujourd’hui, Artivistas est l’espace qui met en valeur l’ADN latino en France, \u00e0 travers la vente directe de prints, gravures, s\u00e9rigraphies, risographies, oeuvres uniques et publications. La galerie accueille \u00e9galement des expositions, des ateliers, des \u00e9v\u00e9nements, des conf\u00e9rences et des \u00e9changes entre artistes europ\u00e9ens et latino-am\u00e9ricains<\/em>.<\/p>\n\n\n\n La quinzaine d\u2019artistes pr\u00e9sent\u00e9s au fil de cette exposition sont in\u00e9galement pr\u00e9sent sur la sc\u00e8ne internationale. Quelques \u00e9l\u00e9ments biographiques permettront au lecteur de p\u00e9n\u00e9trer dans ce creuset fort de la cr\u00e9ation contemporaine. Ils constituent le nouveau discours de l’art contemporain p\u00e9ruvien.<\/em><\/strong><\/p>\n\n\n\n Juan Ra\u00fal Machaca<\/strong> de Aquino (Arequipa, 1970). D\u00e8s son enfance, il s’est int\u00e9ress\u00e9 au dessin et \u00e0 la peinture. Il a \u00e9tudi\u00e9 dans des conditions pr\u00e9caires, ce qui ne l’a pas emp\u00each\u00e9 de poursuivre son r\u00eave de devenir artiste plasticien. Il a toujours accord\u00e9 beaucoup d’attention aux d\u00e9tails et aux \u00e9l\u00e9ments qui faisaient partie de sa vie quotidienne : de la nature qui l’entourait, des masques des f\u00eates religieuses aux histoires de l’imaginaire populaire transmises par sa grand-m\u00e8re \u00e0 la lumi\u00e8re du feu et du bois. Les fables andines des sorciers et des gu\u00e9risseurs, les personnages mythologiques et la vaste iconographie andine se retrouvent dans l’\u0153uvre de Machaca, r\u00e9interpr\u00e9t\u00e9s dans un univers color\u00e9 qui rec\u00e8le toute la richesse des traditions de l’ancien P\u00e9rou.<\/p>\n\n\n\n Joseph Firbas<\/strong> (Lima, 1962). Enfant, il a v\u00e9cu l’ambivalence et le syncr\u00e9tisme de deux mondes qui convergent \u00e0 la maison. N\u00e9 d’un p\u00e8re allemand et d’une m\u00e8re p\u0117ruvienne, Firbas a commenc\u00e9 son apprentissage artistique par la sculpture, avant d’entrer \u00e0 l’\u00e9cole d’art de l’Universit\u00e9 catholique pontificale du P\u00e9rou. Son style a d’abord \u00e9t\u00e9 fortement influenc\u00e9 par l’artiste Francis Bacon, puis a d\u00e9riv\u00e9 vers un surr\u00e9alisme aux tons de la Renaissance, dans lequel il cr\u00e9e une r\u00e9alit\u00e9 pleine de symboles et de personnages intemporels qui oscillent entre le pass\u00e9 et l’avenir. L’\u0153uvre de Firbas est pleine d’iconographies, de combinaisons d’influences et de r\u00e9f\u00e9rences historiques qui s’entrem\u00ealent pour cr\u00e9er une r\u00e9alit\u00e9 intemporelle et presque spirituelle.<\/p>\n\n\n\n Roc\u00edo Snyder<\/strong> (Santa Cruz, Californie, 1985). Sa famille maternelle est originaire de la ville de Huancayo, au P\u00e9rou. Elle a v\u00e9cu dans plusieurs pays d’Am\u00e9rique latine. Il a \u00e9tudi\u00e9 \u00e0 la Escuela de Bellas Artes au Nicaragua, puis \u00e0 la Pontifica Universidad Cat\u00f3lica del Per\u00fa, o\u00f9 il a remport\u00e9 le prix d’excellence Winternitz en 2009. Son travail se caract\u00e9rise par une exploration du corps humain, de la nature et de ses changements, avec une forte r\u00e9f\u00e9rence \u00e0 la tradition historico-culturelle. Il a r\u00e9cemment travaill\u00e9 comme professeur d’art dans des centres de diagnostic et de r\u00e9habilitation pour mineurs \u00e0 Lima, dans le cadre d’une d\u00e9marche personnelle visant \u00e0 utiliser l’art comme outil de changement et de r\u00e9int\u00e9gration dans la soci\u00e9t\u00e9. La vie de Snyder a \u00e9t\u00e9 marqu\u00e9e par de nombreuses influences culturelles et esth\u00e9tiques, mais le langage final qu’il pr\u00e9sente dans son travail est un retour \u00e9vident \u00e0 ses racines andines.<\/p>\n\n\n\n Augusta Sarria Larco<\/strong> (Lima, 1953). Enfant, elle est entour\u00e9e de traditions et de reliques de l’art pr\u00e9colombien. Le mus\u00e9e Larco de Lima est devenu sa nouvelle maison. Parmi les livres, les crayons et les pi\u00e8ces de c\u00e9ramique, elle a d\u00e9couvert l’importance d’appr\u00e9cier l’histoire et son h\u00e9ritage. Il a \u00e9tudi\u00e9 la peinture \u00e0 la Pontificia Universidad Cat\u00f3lica del Per\u00fa et a ensuite obtenu une ma\u00eetrise en \u00e9ducation artistique. C’est au cours de sa formation acad\u00e9mique qu’il a commenc\u00e9 \u00e0 s’int\u00e9resser \u00e0 l’art, en recherchant la couleur et les textures comme \u00e9l\u00e9ments de composition. Le travail de Sarria est une constante exploration stylistique, th\u00e9matique et mat\u00e9rielle qui lui permet d’exprimer tout ce qu’il souhaite transmettre. Pour Sarria, l’art n’est pas seulement un outil de communication, mais aussi un v\u00e9hicule de d\u00e9couverte de soi – audacieux et contestataire.<\/p>\n\n\n\n Yezzenia S\u00e1nchez<\/p>\n\n\n\n Elle est n\u00e9e \u00e0 Celend\u00edn, Cajamarca. Elle est la sixi\u00e8me d’une famille de sept enfants. D\u00e8s son plus jeune \u00e2ge, elle montre des aptitudes pour le dessin et la peinture. Elle a \u00e9tudi\u00e9 \u00e0 l’\u00c9cole nationale des beaux-arts de Lima. Les motifs de son travail sont toujours li\u00e9s \u00e0 des moments du pass\u00e9, aux souvenirs de son enfance entour\u00e9e de nature dans sa ville natale et \u00e0 sa recherche personnelle pour trouver sa propre identit\u00e9, non seulement sur le plan artistique, mais aussi sur le plan personnel. La nostalgie et la tristesse sont des sentiments qu’elle explore \u00e9galement \u00e0 travers l’art, comment la cr\u00e9ation artistique devient une soupape d’\u00e9chappement et un \u00e9l\u00e9ment de r\u00e9troaction pour surmonter les moments difficiles et revivre les moments heureux. Elle utilise l’art \u00e0 travers la m\u00e9moire pour cr\u00e9er un syst\u00e8me de protection \u00e9motionnelle avec des iconographies qui r\u00e9v\u00e8lent plus que des \u00e9l\u00e9ments autobiographiques, une relation forte avec les sentiments humains et la d\u00e9couverte de soi.<\/p>\n\n\n\n Luisa Fernanda Ayll\u00f3n<\/strong><\/p>\n\n\n\n Elle est n\u00e9e \u00e0 Lima, mais sa famille a toujours v\u00e9cu dans le d\u00e9partement d’ica. D\u00e8s son plus jeune \u00e2ge, les plages de Paracas ont \u00e9t\u00e9 le cadre de ses meilleurs souvenirs familiaux et sont devenues plus tard le centre de sa curiosit\u00e9 et de sa compr\u00e9hension de la nature et de sa propre identit\u00e9. Elle a perdu ses parents tr\u00e8s t\u00f4t. Elle a toujours \u00e9t\u00e9 curieuse de la peinture et de la manipulation des mat\u00e9riaux. Il a \u00e9tudi\u00e9 le graphisme et enseign\u00e9, mais l’art a toujours \u00e9t\u00e9 pr\u00e9sent en tant qu’espace d’exploration personnelle. Son langage de composition est un \u00e9quilibre entre le figuratif et l’abstrait, incluant des r\u00e9f\u00e9rences surr\u00e9alistes et l’iconographie pr\u00e9colombienne. Ayll\u00f3n travaille sur la toile, le bois, l’acier, le cuivre avec lesquels il cr\u00e9e des objets qui ont une empreinte distinctive de mouvement, de l\u00e9g\u00e8ret\u00e9 et une recherche constante d’\u00e9quilibre et de beaut\u00e9.<\/p>\n\n\n\n C\u00e9sar Ayll\u00f3n<\/strong>. N\u00e9 \u00e0 Lima, il fait preuve, d\u00e8s son plus jeune \u00e2ge, d’une grande curiosit\u00e9 artistique. Son go\u00fbt pour les bandes dessin\u00e9es et les comics a \u00e9t\u00e9 fondamental pour cet int\u00e9r\u00eat artistique qui l’a amen\u00e9 \u00e0 cr\u00e9er ses propres personnages et un univers fictif. Cependant, ce n’est qu’\u00e0 l’\u00e2ge de 30 ans qu’il a commenc\u00e9 \u00e0 chercher son propre style. Il a \u00e9tudi\u00e9 la communication \u00e0 la Pontificia Universidad Cat\u00f3lica del Per\u00fa et s’est ensuite consacr\u00e9 \u00e0 la r\u00e9alisation d’illustrations et de bandes dessin\u00e9es pour d’importants magazines et maisons d’\u00e9dition du pays. La publicit\u00e9 fait \u00e9galement partie de son univers professionnel jusqu’\u00e0 ce qu’il ressente le besoin d’exprimer son monde int\u00e9rieur \u00e0 travers un langage qui le repr\u00e9sente correctement. Ses personnages apparaissent progressivement \u00e0 la surface \u00e0 travers les histoires qu’il raconte dans ses \u0153uvres, en cr\u00e9ant des situations et en remettant en question les s\u00e9quences. Des sentiments d’angoisse et de tranquillit\u00e9 sont pr\u00e9sents dans ces personnages qui font partie de la vie m\u00eame du spectateur qui peut ou non s’identifier \u00e0 eux.<\/p>\n\n\n\n Mois\u00e9s Escriba<\/strong><\/p>\n\n\n\n Il est n\u00e9 \u00e0 Lima de parents originaires d’Ayacucho. Cinqui\u00e8me d’une fratrie de sept enfants, il grandit dans une atmosph\u00e8re de nostalgie et d’attachement \u00e0 la maison qu’ils ont d\u00fb quitter pour mener une vie meilleure dans la capitale. La musique que ses parents \u00e9coutaient lui a inculqu\u00e9 non seulement un sentiment de m\u00e9lancolie, mais aussi une profonde appr\u00e9ciation de la terre et de la nature. Malgr\u00e9 son int\u00e9r\u00eat pour les arts, il n’a jamais envisag\u00e9 de suivre une formation artistique. Il a \u00e9tudi\u00e9 \u00e0 l’\u00c9cole nationale des beaux-arts de Lima, o\u00f9 il a remport\u00e9 le prix Enrique Camino Brent pour la peinture. Ses premi\u00e8res \u0153uvres sont des repr\u00e9sentations \u00e9voquant la campagne, le paysage andin, les coutumes et les sc\u00e8nes qui sont pr\u00e9sentes dans sa m\u00e9moire \u00e0 partir des descriptions qu’il a eues dans son enfance \u00e0 travers des anecdotes et de longues conversations qu’il a entendues de ses parents. La nostalgie, le sentiment d’attachement \u00e0 sa propre identit\u00e9 et la tristesse de ne pas pouvoir retourner sur la terre de ses anc\u00eatres sont ses plus grandes sources d’inspiration.<\/p>\n\n\n\n \u00c1ngel Surichaqui<\/strong><\/p>\n\n\n\n N\u00e9 \u00e0 Lima. Ses parents sont originaires de Huancayo, Jun\u00edn. D\u00e8s son plus jeune \u00e2ge, il montre des dispositions pour le dessin et la peinture. Cependant, il \u00e9tudie le graphisme, activit\u00e9 \u00e0 laquelle il se consacre pendant quelques ann\u00e9es. Apr\u00e8s un bref passage \u00e0 l’\u00c9cole nationale des beaux-arts de Lima et un apprentissage aupr\u00e8s du ma\u00eetre de Trujillo Ladislao Plasencki, il se consacre enti\u00e8rement \u00e0 la peinture, en particulier aux natures mortes. Dans l’atelier de Plasencki, il a appris \u00e0 restaurer la peinture flamande des XVIle et XIXe si\u00e8cles, ce qui a influenc\u00e9 sa perception du r\u00e9alisme et de la composition. Ses \u0153uvres sont un m\u00e9lange de cette influence europ\u00e9enne apport\u00e9e en Am\u00e9rique avec des \u00e9l\u00e9ments iconographiques locaux et ce surr\u00e9alisme caract\u00e9ristique de ses compositions. Des \u00e9l\u00e9ments familiers au spectateur font que ses \u0153uvres poss\u00e8dent la vie quotidienne, la magie et un extraordinaire sentiment d’appartenance.<\/p>\n\n\n\n Am\u00e9rico Maqui<\/strong><\/p>\n\n\n\n Il est n\u00e9 dans le d\u00e9partement de Puno en 1989. Quatri\u00e8me d’une fratrie de cing enfants, il a \u00e9tudi\u00e9 l’architecture et les arts \u00e0 l’universit\u00e9 de l’Altiplano. D\u00e8s son plus jeune \u00e2ge, il est fascin\u00e9 par la nature qui l’entoure, les couleurs et les formes qui se traduisent dans les dessins qu’il r\u00e9alise pendant sa scolarit\u00e9 et qu’il vend \u00e0 ses camarades de classe. Mais c’est sa rencontre avec l’\u00e9cole de peinture de Cuzco qui le pousse \u00e0 se consacrer pleinement \u00e0 la cr\u00e9ation artistique. Fortement influenc\u00e9 par la peinture coloniale p\u00e9ruvienne, le baroque europ\u00e9en et la peinture surr\u00e9aliste du XXe si\u00e8cle, Maqui cherche \u00e0 faire en sorte que son art refl\u00e8te la vision du monde int\u00e9ressante qui est toujours pr\u00e9sente dans le monde andin. Personnages, iconographies et paysages quotidiens font partie de l’univers que Maqui nous montre dans ses \u0153uvres.<\/p>\n\n\n\n H\u00e9ctor Acevedo<\/strong><\/p>\n\n\n\n Il est n\u00e9 \u00e0 Lima. Son enfance est solitaire. Toujours entour\u00e9 d’adultes, il se cr\u00e9e un univers imaginaire dans lequel ses dessins deviennent ses fid\u00e8les compagnons de jeu. Il jouait avec les mat\u00e9riaux qu’il trouvait dans la maison, construisant ses propres sculptures. Au cours de sa scolarit\u00e9, il conserve ses aptitudes artistiques, mais sans jamais en faire une option professionnelle. Un jour, par hasard, il est entr\u00e9 \u00e0 l’\u00c9cole nationale des beaux-arts et c’est l\u00e0 qu’il a d\u00e9cid\u00e9 de faire carri\u00e8re dans l’art. Son travail est influenc\u00e9 par le traitement chromatique de la peinture de la Renaissance, les vitraux des \u00e9glises et la peinture religieuse. L’exaltation de la couleur et des proportions sont des \u00e9l\u00e9ments toujours pr\u00e9sents dans son processus cr\u00e9atif. Les \u0153uvres d’Acevedo sont charg\u00e9es d’un costumbrismo et d’une vie quotidienne qui est famili\u00e8re au spectateur et qui l’invite tacitement \u00e0 participer \u00e0 ces sc\u00e8nes famili\u00e8res de la m\u00e9moire.<\/p>\n\n\n\n Sara Merel<\/strong> (Lima, 1965). D\u00e8s son plus jeune \u00e2ge, elle \u00e9tudie le dessin et la sculpture dans divers ateliers de Lima, entour\u00e9e de peintres \u00e0 la carri\u00e8re d\u00e9j\u00e0 bien \u00e9tablie. Apr\u00e8s sa scolarit\u00e9, elle d\u00e9cide de suivre les cours de l’\u00c9cole des beaux-arts de Rome. Cependant, sa premi\u00e8re approche artistique professionnelle a \u00e9t\u00e9 d\u00e9riv\u00e9e vers le design graphique. Chacune des exp\u00e9riences artistiques qu’elle a v\u00e9cues \u00e0 diff\u00e9rentes \u00e9tapes de sa vie a laiss\u00e9 une empreinte qui influence son processus cr\u00e9atif d’une certaine mani\u00e8re. Le travail de Merel est une curiosit\u00e9 et une recherche constantes qui vont de la technique et des mat\u00e9riaux au langage compositionnel lui-m\u00eame. Il est tr\u00e8s conscient de la nature de chacun des mat\u00e9riaux qu’il utilise dans son travail, dans lequel il y a une ambivalence entre la force et la fragilit\u00e9, des \u00e9l\u00e9ments qui se situent \u00e0 la fronti\u00e8re entre la figuration et l’abstraction, entre l’espace et l’absolu terrestre. Le langage pictural de Merel \u00e9voque l’architecture et la plasticit\u00e9, offrant un rythme et un \u00e9quilibre uniques dans la composition qui lui conf\u00e8rent un caract\u00e8re propre.<\/p>\n\n\n\n Chiara Chocano<\/strong><\/p>\n\n\n\n Elle est n\u00e9e \u00e0 Lima. Elle a baign\u00e9 dans la photographie et l’art d\u00e8s son plus jeune \u00e4ge. Son p\u00e8re lui offrait des appareils photo en cadeau lorsqu’il voyait l’int\u00e9r\u00eat de la petite fille pour la photographie. Ses souvenirs remontent aux moments heureux pass\u00e9s avec sa famille au bord de la mer. Cependant, ces souvenirs ont \u00e9t\u00e9 affect\u00e9s lorsqu’elle a perdu sa s\u0153ur, puis sa m\u00e8re. C’est alors que Chocano trouve refuge dans les objectifs qui ont \u00e9t\u00e9 les t\u00e9moins de son \u00e9veil artistique et des innombrables moments heureux pass\u00e9s avec les personnes qu’elle a perdues. Ses premi\u00e8res \u0153uvres sont en noir et blanc, reflet de la douleur et de l’absence, mais peu \u00e0 peu la couleur fait son apparition dans ses compositions. Son travail est une recherche constante de sa propre identit\u00e9 qui passe par un processus exhaustif de reconnaissance et d’introspection. La lumi\u00e8re, \u00e9l\u00e9ment essentiel de l’\u0153uvre de Chocano, repr\u00e9sente cette lueur au bout du tunnel qui signifie qu’il est plus que jamais conscient de son propre pouvoir et des blessures qui ont exist\u00e9 tout au long de son parcours et qui se cicatrisent peu \u00e0 peu avec chacune de ses cr\u00e9ations.<\/p>\n\n\n\n Jacqueline Rodr\u00edguez de Guzm\u00e1n<\/strong><\/p>\n\n\n\n N\u00e9e \u00e0 Trujillo, La Libertad. Elle passe ses premi\u00e8res ann\u00e9es sous la tutelle de ses grands-parents. D\u00e8s son enfance, elle montre un talent pour le dessin et la peinture. Elle a \u00e9galement \u00e9t\u00e9 influenc\u00e9e par la passion de son grand-p\u00e8re pour les fleurs, qu’il cultivait lui-m\u00eame dans son jardin. Elle a \u00e9tudi\u00e9 le graphisme \u00e0 la Pontificia Universidad Cat\u00f3lica de Lima. Sa passion pour les plantes l’a amen\u00e9 \u00e0 orienter ses efforts et son activit\u00e9 artistique vers la repr\u00e9sentation botanique. Son travail d’observation, son souci des ressources naturelles du pays et sa curiosit\u00e9 artistique ont fait de l’\u0153uvre de Rodriguez de Guzm\u00e1n une v\u00e9ritable archive de la flore p\u00e9ruvienne. Il a travaill\u00e9 en \u00e9troite collaboration avec des organisations internationales, notamment dans le cadre d’un projet de recherche sur les plantes m\u00e9dicinales du pays avec l’universit\u00e9 de Chicago. Il m\u00e8ne actuellement une recherche sur les fleurs sauvages menac\u00e9es au P\u00e9rou, par r\u00e9gion, dans laquelle il combine non seulement l’aspect scientifique, mais aussi son talent pour l’aquarelle.<\/p>\n\n\n\n Valeria Gatti (Lima, 1982). Elle a d\u00e9couvert ses affinit\u00e9s artistiques d\u00e8s son plus jeune \u00e2ge. Elle a grandi entour\u00e9e de peinture, de musique et de th\u00e9\u00e2tre gr\u00e2ce \u00e0 ses parents. Elle a \u00e9tudi\u00e9 l’histoire de l’art et la gestion culturelle, ce qui lui a permis de se consacrer \u00e0 l’enseignement et de participer \u00e0 des initiatives artistiques. Elle a enseign\u00e9 dans des institutions au P\u00e9rou, au Royaume-Uni et en Espagne. Son travail artistique est cependant r\u00e9cent. Gatti explore les th\u00e8mes de l’identit\u00e9, de la m\u00e9moire et des radiations culturelles d’un point de vue tr\u00e8s personnel. Son travail est une fusion de techniques textiles, d’\u00e9l\u00e9ments de l’histoire et de la g\u00e9ographie locales et de son exp\u00e9rience en Europe. La diversit\u00e9 des mat\u00e9riaux utilis\u00e9s dans l’\u0153uvre de Gatti \u00e9largit son spectre de composition et consolide un langage tr\u00e8s personnel.<\/p>\n\n\n\n Claudia Talavera <\/strong>(Lima, 1980). Il a \u00e9tudi\u00e9 les arts plastiques \u00e0 la Pontifica Universidad Cat\u00f3lica del Peru. L’\u0153uvre de Talavera est une recherche de son monde int\u00e9rieur \u00e0 travers la m\u00e9moire individuelle et collective. Son travail s’\u00e9loigne des normes esth\u00e9tiques formelles pour les remplacer par un dialogue fluide entre son exploration chromatique et iconographique et la tradition artistique h\u00e9rit\u00e9e de nos anc\u00eatres. Le r\u00e9sultat de cette exploration est une production picturale qui imite une r\u00e9alit\u00e9 utopique oscillant entre le pr\u00e9sent et le pass\u00e9. L’identit\u00e9 de son travail est bas\u00e9e sur les fragments, la distorsion d’\u00e9chelle, la rupture de forme et la puissance de la couleur pour cr\u00e9er une \u0153uvre qui parle de notre temps sans oublier le pass\u00e9 et la m\u00e9moire.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" par Alain Cardenas-Castro et Christophe Comentale. Exposition du 10\/04 au 11\/05. Galerie Artivistas, 35 rue blanche, 75009 Paris, France \u2014 Mar – Sam : 10 h – 19 h. 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